“Creo que el arte contemporáneo es demasiado hermético”: Aníbal Vallejo

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Pinceladas del arte de Aníbal Vallejo desde la mirada crítica del profesor Óscar Jairo González Hernández. Una entrevista sobre las diversas concepciones de su obra.

• Fotografía cortesía del artista.

¿Por qué busca usted la densidad o libertad teatral y gestual de sus cuadros y por qué, dónde se basa esa densidad o libertad que ellos poseen?

No es nada más que la búsqueda de mi propia libertad como artista, la emancipación de la mente.

¿No tiene usted también en un momento dado una intención de construir escenarios para los cuadros, excavando en la perspectiva, destruyéndola para transformarla?

Es una manera de hacer partícipe al espectador. Que el ojo construya lo faltante. Hacer para luego deshacer transformando lo conocido en desconocido. A veces la negación de algo reafirma su importancia.

¿En su intención de transmitir o comunicarse con el espectador y usted mismo, cómo y de que naturaleza estética es su dialéctica para ello?

Planteo situaciones cotidianas y simples, fáciles de digerir. A veces lo que parece ser no lo es.

¿En qué momento de su trayecto, formando su sensitiva, desarrollo métodos y formas para sus cuadros, usted decide involucrar el hilo, que simboliza el hilo, qué mueve y hacia dónde?

Mi interés en el hilo nació desde el momento que era estudiante de diseño de moda. Me cautivó su plasticidad y decidí experimentar con él. El hilo es para mí un elemento gestual y pictórico como cualquier otro pero con el agregado de la tridimensionalidad. Me ayuda a resaltar o a romper la composición dándole otro punto de vista a mi pintura.

Cuando está en la búsqueda de dar nombre a sus series y cuando las ha hecho como: “Esta el vaso medio vacío o medio lleno”, “Bichos y modas entre telas”: ¿Qué lo lleva a ello y por qué?

Generalmente empiezo a componer las series por algún tema que llama mi atención. En el caso de “Está el vaso medio vacío o medio lleno” investigaba sobre el pesimismo. Una cosa lleva a la otra. Casi siempre me apoyo en la literatura que me da pautas para definirlos.

¿Usted tiene una tendencia a construir mixturas, como por decir la relación inextricable entre pintura y dibujo, que lo lleva a ello y por qué?

Es un proceso en el cual me veo empujado a experimentar, a mezclar técnicas y material indiferente si van de la mano o no.

La necesidad de dar sentido, como dice Merleau-Ponty, es una necesidad del artista, pero también queda inmerso en un determinado momento en el sinsentido: ¿Cómo se instalaría allí lo que usted hace?

Digamos que son realidades paralelas con algo de sentido.

¿Podría indicarnos, tres principios estéticos que vehiculen, desarrollen y fundamenten su tarea y proyecto en el arte?

Más que principios estéticos hablaría de la investigación, la experimentación y la proyección.

De sus relaciones bastante intensas con el mundo del arte, desde lo que es su constructo: ¿Podría decirnos que trascendencia le concede a la formación del artista en Historia y Teoría del Arte?

Es necesario conocer lo que se ha hecho, lo que se está haciendo para poder desde allí continuar en la búsqueda de algo. La historia y la teoría del arte son herramientas indispensables para esto.

¿En qué medida su temperatura y temperamento lo llevan a hacer arte y en qué medida la obra es resultado de ello y si así lo intenta mostrar?

Existe algo de egoísmo en ello. Es una búsqueda constante de mis intereses personales. Sin dejar de lado al espectador, la pintura es un vehículo para concretarlos.

¿De qué orden y como se evidencian o no en sus cuadros: lo elemental, lo simple y lo sencillo y de qué ethos se trata, qué determinó en usted esa necesidad?

Creo que el arte contemporáneo es demasiado hermético y tan pretencioso que muchas veces excluye al público desprevenido, como si fuera solo para algunos pocos “iniciados”. Me parece más importante desde lo simple poder contar las cosas que quiero contar y que algunas veces éstas se identifiquen con el espectador sin necesidad de un hermeneuta o traductor.

¿Cuándo está realizando sus obras, concibe al espectador de ellas o es usted un artista sin espectador, dado que usted ya lo es desde el principio mismo de ella?

El arte sin espectador no existe. Siendo una forma de comunicación se necesita algún tipo de interacción. De lo contrario ¿qué sentido tendría?

En usted y su obra, hay movimientos de acción y reacción de la sensibilidad: ¿Cómo se dan esos movimientos de acción y reacción que le propician y le llevan a lo que busca?

Es debido a mi búsqueda personal en todo sentido. Trato siempre de reinventarme pues todo lo conocido me aburre. Es como si empezara cada vez desde cero lo que me da la tranquilidad que necesito.

También son “evidentes” en sus cuadros la sátira, la ironía, el humor: ¿Por qué, de donde proviene en usted esa necesidad crítica y por qué la trata de esta manera?

El humor suaviza los horrores de la realidad. La pintura es un escape a todo lo demás.

¿Cuáles y cómo son sus relaciones con la “Cámara lúcida” y para qué la requiere y para qué no, por qué tiene usted necesidad de la fotografía ó no?

Todas mis pinturas parten de la fotografía. Encuentro las imágenes en revistas o en internet y son de dominio público. Luego las recorto y hago superposiciones de estas para lograr la composición. Son solamente la base para construir ideas. Luego me olvido de ellas.

No existe hoy sin duda, críticos de arte o crítica de arte, en el sentido en qué la proponía y la realizó Carl Einstein: ¿Qué consideración le merecen el crítico y la crítica del arte para y en su tarea?

Me parece importante la función del crítico como enlace entre la obra y el espectador aunque creo que más que críticos existen hoy teóricos del arte, es decir, personas de diversas ramas que se dedican a suplir esta labor. A veces con el desconocimiento de lo que es el proceso artístico y lo que conlleva la producción de la obra.

¿Cómo se concibe, se desarrolla, se proyecta en usted el instante inicial, en que descubre o visiona un cuadro, su técnica, su instalación en la tela?

Es caprichoso. Puede ser que parta de un texto o a veces simplemente del motivo o de la textura de una tela.

¿Cuáles, cómo, de qué índole y naturaleza, son sus relaciones con el arte oriental y por qué: Hokusai, Sesshu o Qi Baishi, qué le dimensionan o no?

Estando en Florencia (Italia) tuve la oportunidad de ver una exposición en Palazzo Pitti sobre el “Ukiyo-e” (Mundo flotante). Especialmente me cautivó la pintura de Utamaro, un pintor japonés de mitad del 700. Me atraparon la delicadeza y la sencillez de sus temas como también la firmeza de sus trazos.

Utamaro

¿De qué manera se dan sus relaciones con lo que llamamos la técnica del artista y las herramientas técnicas para alcanzar la realización de su propósito tensional?

Todo es válido. En mi trabajo se mezclan la tecnología con la parte manual, casi artesanal. Dibujo en el computador y mis bordados son a veces hechos en máquinas industriales y a veces a mano con una paciencia infinita.

Aunque mi trabajo es en apariencia simple detrás hay todo un proceso de investigación tanto tecnológico como conceptual.

Cézanne realizó y desarrolló su estética alrededor de las sensaciones: ¿Qué son para usted las sensaciones y como las lleva a sus cuadros o no le interesa hacerlo?

Es inevitable no llevar las sensaciones, las emociones, todo lo personal a la obra. A veces se evidencian más en unas que en otras, sin que esto signifique que no estén de por medio.

¿Cómo y desde dónde y por qué circunstancias se dieron sus relaciones con un artista como Hockney y como se transforma en su obra y la interviene ó no?

Siempre me ha gustado el arte pop. Más el británico que el americano y esto me llevó a David Hockney. Sus pinturas reflejan una vida apacible e idealizada que me inspiró a revisitarlas, a estudiarlas y a buscar esa parte de mí que de algún modo veía reflejada en ellas.

¿Usted encuentra los temas de su arte, de su estética en la excavación que hace de sí mismo o de la excavación que hace en la realidad, o combina estas dos excavaciones intensamente?

Es una combinación de ambas lo cual es inevitable pues es el reflejo del día a día.

¿En qué momento se incrementa más en usted, la inclinación por continuar desarrollando su vida en el mundo del arte, por qué esta le es esencial a su carácter y cuándo decidiría que no?

Nunca contemplé la posibilidad de hacer otra cosa. No quiero ni pienso hacer otra cosa. Con todo lo que implica una aseveración como esta.

Más del artista

Nacido en 1975. Vive y trabaja en Medellín, Colombia.

Grafito, acrílicos, tejidos y bordados son los materiales de Vallejo que los utiliza para crear obras únicas y ricas en texturas.

Educado en artes y diseño de moda en Colombia, las obras de Vallejo se han exhibido en Colombia, México, Estados Unidos, España e Italia.

La técnica de Aníbal es una mezcla de arte y diseño de moda. Las materias primas de moda como el hilo de coser y las telas dan como resultado elementos en las pinturas como vestidos, animales o fondos. Estas materias primas juegan un papel importante porque es una forma de crear líneas, formas y texturas. La obra del artista se inspira en hechos de la vida cotidiana, tal vez algunas historias del periódico iluminen su imaginación para crear una nueva serie, lo que es muy común en sus obras son los rostros de los personajes que se dejan en blanco agregando anonimato a la escena pero dando el espectador el espacio para la imaginación el resto de la escena.

Educación

1999 Escuela de Diseño de Moda, Facultad de Diseño de Colombia. Medellín, Colombia.
1996 Licenciatura en Artes. Universidad de Antioquia. Medellín, Colombia.

Colecciones

Museo de Arte Moderno de Medellín (MAMM)
Museo de Antioquia

Exposiciones individuales seleccionadas

2012 codeándose en el jardín de las delicias terrenales. Galería Black Square, Miami, Estados Unidos .
2009 Sobre los insectos y la moda entre las telas. Galería La Oficina. Medellín, Colombia.
2008 ¿Está el vaso medio vacío o medio lleno? Museo El Castillo. Medellín, Colombia.

Exposiciones colectivas seleccionadas

2011 Dream Catcher II – festival contemporáneo. Galería Cuadrado Negro. Miami, Estados Unidos.
La Subasta del MAMM – Subasta de arte y diseño en el Museo de Arte Moderno de Medellín (MAMM). Medellín, Colombia.
Colombia en Mérida. Museo de Arte Contemporáneo de Yucatán (MACAY). Mérida, México.
Art Chicago -Feria internacional de arte contemporáneo y moderno. Chicago, Estados Unidos.
Scope New York -Exposición internacional de arte contemporáneo. Nueva York, Estados Unidos.

2010 Florilegio. Proyecto de elefantes bailarines. Bogota Colombia.
Dorado – editorial de videoinstalación. Fondo Internacional de Artes FIART. Madrid, España.
Arte Fiera -Art First. Exposición Internacional de Arte Contemporáneo. Bolonia, Italia.

2009 V Salón de Artistas Jóvenes. Galería El Nogal Club. Bogota Colombia.
Casa de Citas. Museo de Antioquia. Medellín, Colombia.
Diez años de la galería. Galería Olivier Debré. Alliance Francaise. Medellín, Colombia.

2008 Nuevas adquisiciones. Museo de Arte Moderno de Medellín (MAMM). Medellín, Colombia.
Imagina + A Umbral Gráfico Colombiano. Museo de Arte Moderno de Medellín (MAMM). Medellín, Colombia.

2007 ARTBO -Feria internacional de arte. Bogota Colombia.

Exposición colectiva de verano de 2006 . Biagiotti Progetto Arte. Florencia, Italia.

Exposición colectiva de primavera de 2005 . Galería Earl McGrath. Los Ángeles, Estados Unidos.

Exposición colectiva de verano de 2004 . Galería Earl McGrath. Nueva York, Estados Unidos.

Exposición colectiva de primavera de 2003 . Biagiotti Progetto Arte. Florencia, Italia.

2002 Endematt. Boxbarter. Milán, Italia.

2000 Arte en pequeño formato I. Museo El Castillo. Medellín, Colombia.

1999 Concurso internacional para jóvenes creadores de moda. Bogota Colombia.

1998 IX Salón de Artistas de la Universidad de Antioquia. Medellín, Colombia.

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